Als Hval feststellte, dass sie Anfang dieses Jahres aufgrund logistischer Probleme eine Reihe von Terminen absagen musste, bedeutete die staatliche Finanzierung, dass sie es sich leisten konnte. „Es gibt diese Idee, dass es auf Tour ist, als wäre man in einem Katastrophenfilm – als wäre jede Show Ihre letzte Show, und das ist das Ende der Zeit“, sagte sie über die typische Denkweise einer Tour. „Aber wenn du 20 Jahre in der Endzeit lebst, wirst du einfach sterben.“
„Die Dinge müssen nachhaltig sein“, fügte Hval hinzu und merkte an, dass sich Künstler oft unter Druck gesetzt fühlen, zu viel Verantwortung für die Manager oder Promoter zu übernehmen, die für sie arbeiten und einen Prozentsatz verdienen. „Wir reden nicht genug darüber, dass die Leute überhaupt wissen, dass es einen Weg gibt, weniger zu tun und eine gesündere, vollere Karriere zu haben, anstatt nur 10 Jahre vor der Endzeit und dann für den Rest des Jahres arbeitslos zu sein Ihr Leben, weil Sie sich dafür entschieden haben, oder mit Sucht- oder psychischen Problemen, die sich häufen, weil Sie gelernt haben, dass sie unsichtbar sein sollten, bis Sie zusammenbrechen.
Der moralische Imperativ für Veränderung
Die umfassenderen Themen rund um Musik und psychische Gesundheit sind jetzt voll im Blick und verlangen nach einer Auseinandersetzung. Die Machthaber in der Musik – Labels, Manager, Promotionfirmen – sollten auf den moralischen Imperativ reagieren, ihnen mehr unmittelbare Ressourcen zur Verfügung zu stellen und sich gleichzeitig den Kämpfen für systemische Veränderungen anzuschließen. Ob durch Gewerkschaften oder andere Modelle, die fortgesetzten Organisierungsbemühungen von Musikern werden wesentlich sein, um gebrochene Diskurse zu überbrücken und Künstlern dabei zu helfen, die Ressourcen zu entdecken, die ihnen derzeit zur Verfügung stehen.
Jeff Tweedy drückte die Hoffnung aus, dass die Musikindustrie weiterhin ein größeres Bewusstsein für psychische Gesundheit entwickeln wird, da die Schöpfung selbst ein generativer Akt ist. „Kunst sollte eine gute Strategie für das Leben und eine gute Strategie für andere darstellen“, sagte Tweedy. „Er kann die Dunkelheit kommentieren, ohne sie vollständig anzunehmen. Ich möchte, dass sich die Menschen befreit fühlen, Kunst zu machen, und die Idee fördern, dass es eigentlich eine wirklich gesunde Sache ist. Jeder wäre wahrscheinlich ein bisschen besser, wenn er bewusst Zeit mit seiner verbringen könnte Vorstellung.
Adrianne Lenker von Big Thief teilte diese Ansicht. „In der Vergangenheit habe ich so viel Lob für meine Fähigkeit bekommen, diese Maschine zu sein“, sagt Lenker. „Aber ich glaube wirklich, dass eine Karriere davon leben kann, mehr zu nehmen und mehr zu tun, die Kunst jedoch davon lebt, ein Gleichgewicht zwischen Ruhe und der Sorge um Ihre innere Welt und Ihr Wohlbefinden zu finden. Erholung ist wertvoller als Produktivität.
Santigold seinerseits will mehr Musiker dazu ermutigen, über die unerträglichen Bedingungen ihrer Arbeit und die körperlichen und psychischen Folgen zu sprechen. „Es ist wichtig, dass Künstler das Gefühl haben, verwundbar zu sein, denn dann wird es zu etwas Zuordenbarem, und das ist es, was wir brauchen“, sagte sie. „Das ist ein Gemeinschaftsproblem“
Ein bisschen Ironie ist dabei, über den Sommer schrie Beyoncé Santigold ins Ohr remixen zu „Break My Soul“, einem Song, der auf seine (widersprüchliche) Weise eine Art Erzählung über die erdrückende Realität von Arbeit und Gesundheit im Kapitalismus umkreist. „Ich hoffe, Künstler dieses Niveaus haben keine Angst, sich an diesem Gespräch zu beteiligen, denn sie sind hier willkommen“, fügte Santigold hinzu, nachdem er den Songtext gelesen hatte. „Die Last ist zu schwer. Die Geschwindigkeit des Musikkonsums erfordert einen unerbittlichen Lebensstil, dem Künstler nicht folgen können. Es bricht deine Seele.
Sie hoffte, dass die Zuhörer das vollständige Bild sehen würden. „Es ist eine gefährliche Situation in unserer Gesellschaft, in der viele Menschen Künstler für nichtmenschlich halten und daher kein Mitgefühl für sie haben können. [these issues]“, fuhr sie fort, „aber wir müssen unsere Fans dazu bringen, die anderen Seiten dieser Geschichten zu hören. Insgesamt vertraten die für dieses Stück interviewten Künstler die gemeinsame Forderung, sich eine nachhaltigere Zukunft vorzustellen: nicht als Ware, sondern als Mensch gesehen zu werden.